Experiencia estética I

O lo estético como experiencia? Creo que la palabra lo define todo "experiencia", experimentar, sentir, sensibilidad, estar en contacto con, es conciencia del cuerpo, la relación del adentro con afuera. Se trata de lo real, de la profundidad de sentimientos que emergen de nosotros como la tristeza, amor, depresión, dolor... Borges afirmaba: "..me puse a llorar porque comprendí".

Entoces, podemos decir que el arte produce un conocimiento ligado a lo sensible, ya que muchos aspectos de la vida no requieren explicaciones sino comprensiones sentidas, imaginadas, soñadas o sea la emergencia de un sujeto estético. El arte nos invita a una profundidad de existencia, a llenarme del tiempo que soy, a ser sensible a todo lo que somos y podemos ser. A veces es mas potente el sentimiento de injusticia que el concepto mismo de injusticia, probablemente el primero nos conduzca desarrollar con más fuerza el deseo de justicia (incidir sobre el sentimiento de lo justo e injusto, otorga al arte un lugar en la configuración del sujeto político).

El Realismo

Esta corriente artística nace en 1848 aproximadamente y sigue cronológicamente al Romanticismo. Se caracteriza por ser objetiva, es decir, marca la diferencia entre realidad e ilusión, entre realidad y ficción, sin olvidar la fuerza que tiene esta última en sus realizaciones. Es opuesto a lo artificial, a las falsas representaciones, por ese motivo sus temas preferidos son el retrato "al natural" sin poses preconcebidas, tareas cotidianas, se plasma lo bello, lo feo y lo revulsivo. Implica describir las cosas con precisión y objetividad, es decir que los artistas representan las cosas tal como son, tal como se ven y tal como se conocen. En sentido más restringido, el término designa el movimiento artístico del siglo XIX que se caracteriza por la rebelión contra los temas históricos, mitológicos y religiosos y la tendencia hacia las escenas desmitificadores de la vida moderna.

Los artistas destacados son varios, pero de ellos los que más me impactaron fueron Gustave Courbet, con su erotismo y su sensualidad, Jean Francois Millet que pinta escenas de campo llenas de lirismo y ternura.

Muchos confunden los terminos Naturalismo con Realismo, el primero mas se lo aplica en literatura (Émile Zola) y en la técnica y el estilo se llevan a sus últimas consecuencias los métodos de observación y documentación del Realismo. Igualmente se hace más precisa la reproducción del habla.

Aunque algunos artistas comtemporáneos piensen que el arte Realista es "pasado" o "fué", pienso que no es asi. Muchos seguimos pintando escenas cotidianas, retratos, lo feo, lo bello, lo grotesco pero con poesía o metáforas. ¿Te gusta lo que hago?

Solidaridad

¿Alguna vez sufriste una quemadura?, ¿Recuerdas ese dolor?, pues yo si. Alguna vez me salpicó aceite caliente al cocinar, o agua hirviendo o me quemé la boca con bebidas calientes, o con la plancha ...y la verdad dolía mucho, la zona afectada palpitaba, ardía, y apesar de los cuidados y curaciones el dolor persistía.

¿Y te pusiste a pensar que existen personas que tienen quemaduras en las tres cuartas partes de su cuerpo? y que además ¡son niños! Gracias a Dios y a mis cuidados mis hijos no sufrieron quemaduras, ni mis nietitos tampoco, enloquecería si eso pasara despues de ver las fotos que me mostró mi hijo de sus pequeños pacientes del Hospital Infantil Mario Ortíz (sala de quemados).

Es doloroso ver sus caritas pidiendote sin palabras que los ayudes, que pienses y reces por ellos, pero lo principal, que te des un tiempito y los vayas a visitar y ver de que forma puedes colaborar, hay muchas, entre ellas con medicamentos, dinero, alimentos, ropita, juguetes, etc., además están las familias que son de escasos recursos, y que con tanto gasto ya no tienen ni para su manutención.

Si Dios te ha dado una familia saludable, la forma de agradecerle es amar a esos pequeñitos y ayudarlos.

La imagen que muestro es dura, pero a veces es necesario algo asi para saber que existen......

El docente y las nuevas tecnologías

Las nuevas tecnologías están transformando la ecología del aula, y el docente se ve en la necesidad de cambiar su metodología didáctica. Según Escolano Benito los papeles básicos del docente son tres: el papel técnico como ingeniero de la instrucción, el segundo se asocia con los aspectos éticos y socializadores de su profesión enfocado hacia valores y actitudes, y el tercero vinculado a la satisfacción de las necesidades de autorrealización de los individuos en formación y de sus demandas de bienestar.
Analizando éstos papeles, seguimos en el modelo clásico y tradicional, y poco se ha avanzado, en todo caso se debería actualizar en todas sus competencias permanentemente. Ahora bien, si el papel del docente va mas allá que de un simple almacén del saber (que no lo es), y en la sociedad de la información debe ser un formidable gestor de la misma, pero… ahí está el detalle, las clases siguen siendo magistrales casi en todos los centros de la educación superior, pues falta material didáctico. Entonces ¿Que se debe hacer? ¿El alumno seguirá siendo el paciente receptor? Me parece que el nuevo rol que desempeña el docente se ve limitado por las organizaciones, que solo tienen en mente la parte comercial.
Los profesionales de la educación deberán reorientar sus objetivos en función de la cultura circundante, así como sus procedimientos y técnicas, además de echar mano a un sin fin de recursos. Necesitan cambiar su manera de trabajar, tanto individual como en grupo, su relación con la organización del centro y la manera de acceder a la información que se necesite. A tenor de las actuales circunstancias tecnológicas, culturales y sociales, el profesor deberá responder a los objetivos de la educación de las generaciones del siglo XXI.

(comentario personal sobre el artículo de Fernández Muñoz
Profesor de Nuevas Tecnologías Aplicadas a la Educación
Departamento de Pedagogía Universidad de Castilla-La Mancha)

Manierismo

El Manierismo deriva de la palabra maniera en italiano, palabra usada en su origen por Vassari, y se refiere concretamente a los pintores que en el cinquecento se dedican a imitar la manera de Miguel Ángel o Rafael.
Nace en Italia en el siglo XVI en medio de una gran conmoción tanto económica como religiosa, los factores del Renacimiento desaparecen o son destruidos por muchas circunstancias, como el desplazamiento del comercio a occidente, la supremacía económica de Alemania, la conmoción del protestantismo y más tarde la Reforma, las invasiones de franceses y españoles, todo esto determina que banqueros huyan (y con ellos los mecenas), las escuelas se dispersan, etc.
El arte como fiel reflejo de esa sociedad desequilibrada, inicia formas y contenidos tortuosos, indecisos, se aleja de la clásica serenidad del Renacimiento, y cae en un estilo alambicado intelectual, en el que la realidad se mezcla con el sueño: el estilo “Manierista”.
Este estilo comienza a manifestarse en algunos artistas especialmente florentinos con cierta insatisfacción respecto a la cultura figurativa elaborada por los grandes maestros del Renacimiento Clásico. De hecho esta tendencia anti clásica se fue manifestando y progresivamente acentuando en las obras de madurez de Miguel Ángel y Tiziano, quienes vivieron muchos años después del finalizado período áureo del Renacimiento.
Los cambios que se operaron fueron muchos, entre ellos cambios cromáticos con resplandecientes estructuras tonales, con sombras y luces sulfúreas, se aplica color mediante sabios empastes, derivando en una libertad de lenguaje pictórico, tensión y movimiento dando lugar a una fuerza expresiva, torsión de cuerpos y contrapostos, las figuras tienen mayor presencia plástica, se acentúa movimientos y se abusa de escorzos, elevando el tono dramático de las escenas, expresividad y dinamismo, también se adquiere una nueva estética con la estilización y el irreal alargamiento de los miembros que se une al empleo de la sinuosa figura serpentinata y la oblicuidad de la composición, hay extravagancia en actitudes y luminosidad violenta
Hice un resumen breve de lo más importante del estilo de los pintores del período manierista, ya que de esa forma nos damos perfecta cuenta del sentir- hacer de aquellos que marcaron la historia del arte, el Manierismo fue sin duda un arte meritorio, dentro de ese buscar y hallar que culmina en el siglo XVII con un nuevo estilo: el Barroco.
Antes de entrar en la carrera de Arte, hice un curso de Diseño de Moda en INFOCAL, éste influenció mucho en la manera que tengo de dibujar la figura humana, ya que tiendo a alargarla, pero me gusta hacerlo y es propio de mi estilo, es por eso y por muchas cosas más que me identifico con el manierismo. Aquí presento una obra mía “al estilo manierista”, ¿Te gusta?
Y tú, ¿con que estilo te identificas?

¿Qué es la imaginación?

La imaginación es la capacidad humana de abrir puertas a mundos infinitos y lleva a poetizar la vida mundana con reflejos ingenuos de metáfora.
Imaginar es mirar más allá de lo que nuestros ojos pueden ver, es utilizar todos nuestros sentidos para crear lo invisible, lo impalpable. La imaginación es original, pues cada persona mediante ella, crea imágenes mentales que dan origen a la creatividad y que permite poetizar la vida, ya que su esencia es la libertad, de pensar, sentir, soñar, manejar nuestros pensamientos a nuestro antojo en un mundo nuevo, el mundo de las ideas.
Esto trae consigo el utilizar términos como creatividad, poética y desmenuzando un poco tendremos que, crear viene del latín “creare” que significa engendrar, producir y es pariente cercano de “crescere” que significa crecer.
La palabra poética, está vinculada a la palabra creación del latín poéticus y del griego poétikos, de donde se derivan las palabras poesía, poeta, poema, ya que los griegos entendían al poeta como el hacedor por antonomasia, por consiguiente su obra era la más noble y auténtica creación.
Después de haber hecho un repaso a toda esa exposición etimológica, llegamos a la conclusión que el ser humano está íntimamente relacionado con el valor poético de la creación, de imaginar para producir, hacer, crecer, y creer. O sea que la vida se impregna de poesía encerrando en sí mismo un arte.

Johan W. von Goethe dijo
“Dos cosas deben recibir los niños de sus padres: raíces y alas”
Agregó, “todos los seres humanos necesitamos de la imaginación, del sueño, de la ilusión para que las raíces se extiendan hacia abajo, cimentando una forma que orienta la gestación de una identidad, una pertenencia; y por otro lado buscar las fuerza suficiente hacia la elevación, hacia arriba, para poder crecer desplegando ramas, flores y frutos (como secuencia vital) en formas de alas alcanzando la libertad, la luz, el horizonte y la eternidad con dignidad. Tierra y cielos se unen para dar origen a un ser producto de una creacion. Se requiere de un entorno natural y social que aliente el crecimiento imaginativo y creativo para que todos los seres humanos desarrollen su potencial.”

Composición familiar

En uno de los talleres de mi carrera (Arte) propiamente en Photo Shop, realicé un trabajo al que lo llamé Composición Familiar, basándome en una de las famosas composiciones de Piet Mondrian, que por si no lo saben era una famoso pintor vanguardista holandés (1872-1944) miembro de Stijl y fundador del neoplasticismo junto con Theo van Doesburg. Claro que si el viera mi trabajo, me arranca la cabeza, pues odiaba el arte figurativo (relieves y formas), pero en el arte contemporáneo puedes utilizar todas las formas que desees proyectándolo hacia algo nuevo, utilizando nuevas técnicas, y por que no basándote en obras de otros artistas. La teoría de Mondrian ha sido relevante en el siglo XX trascendiendo la pintura e influyendo en las demás expresiones estéticas: diseño, decoración arquitectura y escultura.

Aunque sus primeras pinturas fueron naturalistas (impresionistas) siendo en gran parte paisajes, evolucionó luego hacia el simbolismo hasta llegar a la abstracción de la que fue uno de los principales representantes. Sus pinturas exhiben una complejidad que desmiente su simplicidad aparente. Es principalmente conocido por sus pinturas no figurativas a las que llamó composiciones, consistiendo formas rectangulares en rojo, amarillo, azul o negro, separadas por gruesas líneas rectas. Las mismas son el resultado de una evolución estilística que ocurrió en el curso de casi 30 años y continuó más allá de ese punto hasta el final de su vida.

El arte de Mondrian siempre estaba íntimamente relacionado a sus estudios espirituales y filosóficos. A partir de 1908, se interesó en el movimiento teosófico fundado por Helena Petrovna Blavatsky a fines del siglo XIX. Él se dedica a la abstracción geométrica en su búsqueda por encontrar la estructura básica del universo, la supuesta “retícula cósmica” que el intenta representar con el no-color (color que posee todos los colores) atravesado por una trama de líneas de no-color negro (ausencia de todos los colores) y en esa trama, planos geométricos (frecuentemente rectangulares) de los ya mencionados colores primarios, considerados por Mondrian como los colores elementales del universo.

Busca, en suma, un "arte puro", despojado de lo particular, y dice que «El propósito no es crear otras formas y colores particulares con todas sus limitaciones, sino trabajar tendiendo a abolirlos en interés de una unidad más grande.»

Lita Ana