El docente y las nuevas tecnologías

Las nuevas tecnologías están transformando la ecología del aula, y el docente se ve en la necesidad de cambiar su metodología didáctica. Según Escolano Benito los papeles básicos del docente son tres: el papel técnico como ingeniero de la instrucción, el segundo se asocia con los aspectos éticos y socializadores de su profesión enfocado hacia valores y actitudes, y el tercero vinculado a la satisfacción de las necesidades de autorrealización de los individuos en formación y de sus demandas de bienestar.
Analizando éstos papeles, seguimos en el modelo clásico y tradicional, y poco se ha avanzado, en todo caso se debería actualizar en todas sus competencias permanentemente. Ahora bien, si el papel del docente va mas allá que de un simple almacén del saber (que no lo es), y en la sociedad de la información debe ser un formidable gestor de la misma, pero… ahí está el detalle, las clases siguen siendo magistrales casi en todos los centros de la educación superior, pues falta material didáctico. Entonces ¿Que se debe hacer? ¿El alumno seguirá siendo el paciente receptor? Me parece que el nuevo rol que desempeña el docente se ve limitado por las organizaciones, que solo tienen en mente la parte comercial.
Los profesionales de la educación deberán reorientar sus objetivos en función de la cultura circundante, así como sus procedimientos y técnicas, además de echar mano a un sin fin de recursos. Necesitan cambiar su manera de trabajar, tanto individual como en grupo, su relación con la organización del centro y la manera de acceder a la información que se necesite. A tenor de las actuales circunstancias tecnológicas, culturales y sociales, el profesor deberá responder a los objetivos de la educación de las generaciones del siglo XXI.

(comentario personal sobre el artículo de Fernández Muñoz
Profesor de Nuevas Tecnologías Aplicadas a la Educación
Departamento de Pedagogía Universidad de Castilla-La Mancha)

Manierismo

El Manierismo deriva de la palabra maniera en italiano, palabra usada en su origen por Vassari, y se refiere concretamente a los pintores que en el cinquecento se dedican a imitar la manera de Miguel Ángel o Rafael.
Nace en Italia en el siglo XVI en medio de una gran conmoción tanto económica como religiosa, los factores del Renacimiento desaparecen o son destruidos por muchas circunstancias, como el desplazamiento del comercio a occidente, la supremacía económica de Alemania, la conmoción del protestantismo y más tarde la Reforma, las invasiones de franceses y españoles, todo esto determina que banqueros huyan (y con ellos los mecenas), las escuelas se dispersan, etc.
El arte como fiel reflejo de esa sociedad desequilibrada, inicia formas y contenidos tortuosos, indecisos, se aleja de la clásica serenidad del Renacimiento, y cae en un estilo alambicado intelectual, en el que la realidad se mezcla con el sueño: el estilo “Manierista”.
Este estilo comienza a manifestarse en algunos artistas especialmente florentinos con cierta insatisfacción respecto a la cultura figurativa elaborada por los grandes maestros del Renacimiento Clásico. De hecho esta tendencia anti clásica se fue manifestando y progresivamente acentuando en las obras de madurez de Miguel Ángel y Tiziano, quienes vivieron muchos años después del finalizado período áureo del Renacimiento.
Los cambios que se operaron fueron muchos, entre ellos cambios cromáticos con resplandecientes estructuras tonales, con sombras y luces sulfúreas, se aplica color mediante sabios empastes, derivando en una libertad de lenguaje pictórico, tensión y movimiento dando lugar a una fuerza expresiva, torsión de cuerpos y contrapostos, las figuras tienen mayor presencia plástica, se acentúa movimientos y se abusa de escorzos, elevando el tono dramático de las escenas, expresividad y dinamismo, también se adquiere una nueva estética con la estilización y el irreal alargamiento de los miembros que se une al empleo de la sinuosa figura serpentinata y la oblicuidad de la composición, hay extravagancia en actitudes y luminosidad violenta
Hice un resumen breve de lo más importante del estilo de los pintores del período manierista, ya que de esa forma nos damos perfecta cuenta del sentir- hacer de aquellos que marcaron la historia del arte, el Manierismo fue sin duda un arte meritorio, dentro de ese buscar y hallar que culmina en el siglo XVII con un nuevo estilo: el Barroco.
Antes de entrar en la carrera de Arte, hice un curso de Diseño de Moda en INFOCAL, éste influenció mucho en la manera que tengo de dibujar la figura humana, ya que tiendo a alargarla, pero me gusta hacerlo y es propio de mi estilo, es por eso y por muchas cosas más que me identifico con el manierismo. Aquí presento una obra mía “al estilo manierista”, ¿Te gusta?
Y tú, ¿con que estilo te identificas?

¿Qué es la imaginación?

La imaginación es la capacidad humana de abrir puertas a mundos infinitos y lleva a poetizar la vida mundana con reflejos ingenuos de metáfora.
Imaginar es mirar más allá de lo que nuestros ojos pueden ver, es utilizar todos nuestros sentidos para crear lo invisible, lo impalpable. La imaginación es original, pues cada persona mediante ella, crea imágenes mentales que dan origen a la creatividad y que permite poetizar la vida, ya que su esencia es la libertad, de pensar, sentir, soñar, manejar nuestros pensamientos a nuestro antojo en un mundo nuevo, el mundo de las ideas.
Esto trae consigo el utilizar términos como creatividad, poética y desmenuzando un poco tendremos que, crear viene del latín “creare” que significa engendrar, producir y es pariente cercano de “crescere” que significa crecer.
La palabra poética, está vinculada a la palabra creación del latín poéticus y del griego poétikos, de donde se derivan las palabras poesía, poeta, poema, ya que los griegos entendían al poeta como el hacedor por antonomasia, por consiguiente su obra era la más noble y auténtica creación.
Después de haber hecho un repaso a toda esa exposición etimológica, llegamos a la conclusión que el ser humano está íntimamente relacionado con el valor poético de la creación, de imaginar para producir, hacer, crecer, y creer. O sea que la vida se impregna de poesía encerrando en sí mismo un arte.

Johan W. von Goethe dijo
“Dos cosas deben recibir los niños de sus padres: raíces y alas”
Agregó, “todos los seres humanos necesitamos de la imaginación, del sueño, de la ilusión para que las raíces se extiendan hacia abajo, cimentando una forma que orienta la gestación de una identidad, una pertenencia; y por otro lado buscar las fuerza suficiente hacia la elevación, hacia arriba, para poder crecer desplegando ramas, flores y frutos (como secuencia vital) en formas de alas alcanzando la libertad, la luz, el horizonte y la eternidad con dignidad. Tierra y cielos se unen para dar origen a un ser producto de una creacion. Se requiere de un entorno natural y social que aliente el crecimiento imaginativo y creativo para que todos los seres humanos desarrollen su potencial.”

Composición familiar

En uno de los talleres de mi carrera (Arte) propiamente en Photo Shop, realicé un trabajo al que lo llamé Composición Familiar, basándome en una de las famosas composiciones de Piet Mondrian, que por si no lo saben era una famoso pintor vanguardista holandés (1872-1944) miembro de Stijl y fundador del neoplasticismo junto con Theo van Doesburg. Claro que si el viera mi trabajo, me arranca la cabeza, pues odiaba el arte figurativo (relieves y formas), pero en el arte contemporáneo puedes utilizar todas las formas que desees proyectándolo hacia algo nuevo, utilizando nuevas técnicas, y por que no basándote en obras de otros artistas. La teoría de Mondrian ha sido relevante en el siglo XX trascendiendo la pintura e influyendo en las demás expresiones estéticas: diseño, decoración arquitectura y escultura.

Aunque sus primeras pinturas fueron naturalistas (impresionistas) siendo en gran parte paisajes, evolucionó luego hacia el simbolismo hasta llegar a la abstracción de la que fue uno de los principales representantes. Sus pinturas exhiben una complejidad que desmiente su simplicidad aparente. Es principalmente conocido por sus pinturas no figurativas a las que llamó composiciones, consistiendo formas rectangulares en rojo, amarillo, azul o negro, separadas por gruesas líneas rectas. Las mismas son el resultado de una evolución estilística que ocurrió en el curso de casi 30 años y continuó más allá de ese punto hasta el final de su vida.

El arte de Mondrian siempre estaba íntimamente relacionado a sus estudios espirituales y filosóficos. A partir de 1908, se interesó en el movimiento teosófico fundado por Helena Petrovna Blavatsky a fines del siglo XIX. Él se dedica a la abstracción geométrica en su búsqueda por encontrar la estructura básica del universo, la supuesta “retícula cósmica” que el intenta representar con el no-color (color que posee todos los colores) atravesado por una trama de líneas de no-color negro (ausencia de todos los colores) y en esa trama, planos geométricos (frecuentemente rectangulares) de los ya mencionados colores primarios, considerados por Mondrian como los colores elementales del universo.

Busca, en suma, un "arte puro", despojado de lo particular, y dice que «El propósito no es crear otras formas y colores particulares con todas sus limitaciones, sino trabajar tendiendo a abolirlos en interés de una unidad más grande.»

Lita Ana

El desnudo

Mucho se ha hablado y se seguirá hablando del desnudo, en la fotografía, en la pintura, en la escultura......pero, me pregunto yo ¿Por que?, ¿es que acaso no existen temas mas interesantes que ese?, puede que si, pero el desnudo del cuerpo humano es y será siempre un tema de discusión, basta decir que es la obra cumbre de la creación, Dios fue el primer artista en plasmar lo que pensaba y realmente resultó una obra de arte.
No se trata de los rasgos bellos y perfectos, no estamos hablando de modelos ni de artistas de cine o televisión estamos hablando de personas comunes y corrientes, de todos los humanos y que además somos la obra de arte de la creación, entonces….¿Por que no fotografiar, pintar, modelar o esculpir algo tan perfecto?
Personalmente me gusta dibujar y pintar el cuerpo humano en sus diversas facetas, estudiar su anatomía, hasta he llegado a modelar en arcilla, no es lo mío, me ha costado una barbaridad, el trabajo de un año, pero valió la pena, aquí la muestro.
Para pintar un desnudo, generalmente lo hago con una modelo, ya sea en vivo luego la fotografío, posteriormente paso el dibujo al lienzo, finalmente le aplico color, en mis obras el espacio también es algo fundamental, me encanta ver como emerge la obra de mi creación, es difícil si, pero lo difícil para mi se convierte en un reto, y cuando concluyo mi obra me siento satisfecha.
Volviendo al desnudo, hay desnudos y “desnudos”, entre ellos existe un mundo de diferencia, los primeros son naturales, los segundos vulgares, no se trata de ver al hombre o a la mujer como un objeto, se trata de “ver” mas allá, se trata de poesía, de metáfora no de algo tan real que duela, que moleste…..
El desnudo es algo bello, aprendamos a apreciarlo de esa manera.

Lita Ana

La muerte de una carrera

Es una pena que la carrera de arte a nivel técnico Superior que depende de la Fundación Puerta Abierta y funciona bajo el techo de la NUR esté cerrando sus puertas, es una gran pérdida, pues no existen muchos lugares donde se pueda aprender arte a nivel licenciatura y casi ninguno realiza la función social que ésta, ya que existían varios alumnos con becas, los mismos que algún día serán artistas destacados en nuestro medio y fuera de él. En este punto la Universidad NUR, no le ha dado mucho empuje en cuanto al marketing, ni se la ha vinculado con otras carreras para darle mayor movimiento e importancia, es por ello que se la descuidó hasta que dejó de existir.
Será que alguna entidad cruceña se anima a darle vida? Si alguien tiene alguna idea o comentario al respecto le agradecería que me la diese a conocer.
Algunos ex compañeros y yo, pensamos en la posibilidad de reabrir la carrera y ponernos a disposición como docentes, transmitir todo lo que aprendimos, y que existan personas que sigan haciendo arte, es una idea, ¿o un sueño? Pero alguien dijo una vez “soñar no cuesta nada”……

Lita Ana Domínguez

Artista Plástica

LA VIRGEN DE COPACABANA

UNIVERSIDAD NUR
CARRERA DE ARTE

ANTROPOLOGIA CULTURAL BOLIVIANA
“LA VIRGEN DE COPACABANA”

Trabajo realizado por:
Lita Ana Domínguez Araújo

SCZ 28/09/09


LA VIRGEN DE COPACABANA

ETIMOLOGÍA
Llamada así por la españolización del nombre de la precolombina deidad andina "Copakawana", que vendría a ser el equivalente a la Diosa griega Afrodita o la romana Venus. El culto que se le rendía a Copakawana era para que por su complacencia favoreciera a la unión y con su bendición a la fecundidad. Es por esas características que se sincretiza su ícono con el de la virgen de la religión cristiana, y se construye un templo católico (como en muchos casos en toda América) sobre el sitio donde se emplazaba su templo precolombino.
La tradición compilada por los cronistas españoles de la conquista relata que la corte de Copakawana (que habitaba en el lago) estaba compuesta por "Umantuus", hombres y mujeres mitad peces, estos íconos serían tritones y sirenas en la mitología griega. Estos míticos seres se hallan representados en cerámicas y luego ya en la colonia en varios tallados de estilo barroco mestizo en los templos católicos que se pueden apreciar en varios lugares del altiplano circundante al lago Titicaca, tanto en Bolivia como en Perú.
Cuenta la leyenda...
...Que en la actual península de Copacabana del Lago Titicaca, había un ídolo o dios esculpido en piedra turquesa, que los nativos conocían como QOPAQHAWANA. La ubicación y el color azul de su cuerpo desmembrado de pez inmóvil lo hacían visible desde lejos. Para la gente era el dios bueno del lago y lo idolatraban todos los aimaras del lugar.
Cuando los incas llegaron hasta el lago con "su" guerra conquistadora, qöpaqhawana fue sustituido por el sol y la luna y sobre el sitio que le había servido de pedestal y trono TUPAJ YUPANKY INKA fundó una ciudad destinada al descanso de los peregrinos que por allí transitaban hacia el templo del sol. A la llegada de los españoles, todos los cultos nativos fueron sometidos por el cristianismo y el dios turquesa quedó aún más lejano.
El vocablo COPACABANA, castellanizado por los conquistadores españoles desplazó finalmente a QÖPAQHAWANA. No obstante, la religiosidad del pueblo lacustre de Copacabana parece acrecentarse con los años.


La imagen tallada por Tito Yupanqui , pertenece a la de la Virgen de la Candelaria, cuyo modelo es una imagen española que se encuentra en Santo Domingo, talla de la escuela sevillana del siglo XVI.
La imagen está tallada en madera maguey rellena de yeso y pasta en cara, manos y brazos, mide 1 metro de altura incluida la peana. Con la mano izquierda estrecha a su Hijo que parece estar en movimiento, y con la derecha sostiene la canastilla de la ofrenda y la vela o candela, que le da su nombre. Aunque como se ha mencionado que la imagen es una copia de una escultura española, posee rasgos indígenas y rostro moreno, sello indiscutible del autor.
Hoy se ve la imagen con el cirio o candela con oro, la canastilla que sostiene con filigrana con diversas joyas y brillantes. Tanto la Virgen como el Niño, tienen coronas de oro y plata con piedras preciosas. También viste gargantillas, anillos valiosos, y aretes. La peana está adornada con una media luna de plata y la bandera boliviana. La aureola de su cabeza es de metales preciosos donde se ven el sol, la luna y doce estrellas.
El manto que cubre la imagen, que va cambiando de tiempo en tiempo al igual que sus joyas, también muestra gran belleza y delicadeza.
La imagen original nunca sale de su santuario y para las procesiones se utiliza una copia de la misma. Es típico del santuario, que los que visitan salgan de él caminando hacia atrás, con la intención de no darle la espalda a su querida Madre cuya fiesta se celebra el 2 de febrero, día de la Purificación de María o fiesta de la Virgen de la Candelaria, pero, también se celebra el 5 de agosto, con liturgia propia y gran celebración popular.

TERCERA EDAD

PROPUESTA: TERCERA EDAD

Al finalizar todos los talleres, incluyendo los de dibujo y pintura, decidí tomar como especialidad la técnica de pintura al óleo. Concretamente al realizar la parte final de Mención III taller de pintura, decidí dedicarme por completo a personas de la tercera edad, en primer lugar porque era un reto, en segundo lugar porque era una culminación al estudio de la figura humana que inicié en Mención I, pero finalmente por que es la etapa más bella y tranquila en la vida de todo ser humano.
¿Quien dijo que la vejez es fea?, ¿A qué fealdad se refieren? Para mí el llegar a viejo es una estación en la vida, es el otoño, tan solo el anuncio del advenimiento del invierno, donde existe la tranquilidad para poner en una balanza la vida misma, todo lo malo en un lado y todo lo bueno en el otro, o lo que hizo o se dejó de hacer. Es una etapa de soledad, en la que se aíslan por gusto, por necesidad o por la decisión de terceros. Es una etapa de equilibrio marginal, de recuerdos, de amores vividos, de pérdidas regadas con llanto, de resignación y de paciente espera. “Todo a su tiempo” (Eclesiásticos 3) Hay tiempo de nacer, y tiempo para morir…
La vida va dibujando líneas cada vez más profundas en la piel, el sol deja sus marcas cada vez más oscuras, la nieve del invierno pinta de blanco los cabellos, los años que se cargan durante tanto tiempo encorvan la figura y deforman los huesos, la sed de amor y atención deshidrata la piel, tornándola seca y flácida, en fin el conjunto es el resultado de una vida plena, llena de experiencias que dan como resultado esa belleza de la tercera edad, del adulto mayor o como quieran llamarlo.
En mis obras trato de mostrar el largo sendero de la vida. Si las analizamos, veremos que cada una tiene los sentimientos en los ojos, en la piel, en sus líneas de expresión, que son surcos que trazó la vida día tras día, cada una de ellas pide a gritos nuestra atención, con la mirada, con las manos…. Son los ojos que nos hablan, son las manos que nos llaman, son las deformaciones que nos muestran su camino vivido, son sus cabellos que nos enredan en la maraña de la vida entró en el estío, son los colores cetrinos de su piel los que nos dicen que el ocaso está presente….

Lita Ana Domínguez Araújo
CARRERA DE ARTE
FUNDACIÓN PUERTAS ABIERTAS